Selfies in art history

Buongiorno, e bentornati alla "Finestra sul Cortile". Viviamo nell'era del "selfie", la fotografia scattata a se stessi con lo smartphone e caricata sul sito di un social network.

Una moda dilagante, contagiosa, a cui non resiste nessuno, neppure personalità come Obama e Papa Francesco.

È una nuova forma di esibizionismo,di narcisismo di massa, perfino i bambini a scuola vengono incoraggiati a farsi dei "selfie".

Il fenomeno in realtà non è poi così nuovo, ha molti precedenti illustri: come racconta James Hall, critico e storico dell'arte e britannico in un libro da poco uscito in Inghilterra, "The Self-Portrait - a cultural history", l'autoritratto ha una storia plurisecolare, ed è stato praticato dagli artisti di ogni epoca e nazionalità.

Anche se ovviamente è difficile paragonare la superficialità e banalità di una faccia o di una smorfia catturata dal display del telefonino alla penetrazione chirurgica di un selfie disegnato, dipinto allo specchio da un grande pittore.

E anche se, a differenza della foto postata su Instagram, l'autoritratto è più spesso un esercizio di severa autocritica che di allegra autocelebrazione.

"L'autoritratto - leggiamo nel libro di Hall - avrebbe avuto dei precursori già tra gli Egizi, i Greci e i Romani, ma il suo vero atto di nascita va collocato Medioevo, un periodo storico segnato da una forte religiosità e dall'ansia per la salvezza individuale, e quindi dal senso di colpa, dall'autocritica.

Uno dei primi esempi, anteriore dall'anno 1000, è San Dunstano, arcivescovo di Canterbury e pittore, che si è rappresentato genuflesso, ai piedi di un Cristo imponente.

Ben diverso lo spirito dell'incisione di Israhel van Meckenem, "Autoritratto con la moglie", del 1490, conservato al British Museum, uno dei più deliziosi e intensi doppi ritratti della storia dell'arte.

Le due teste sono come schiacciate l'una contro l'altra, e ogni dettaglio attira la nostra attenzione: dai riccioli di Israhel che spuntano dal cappuccio ai seni di lei compressi dall'abito attillato.

Quest'opera preannuncia già un'attenzione per gli aspetti naturalistici e lo studio delle fisionomie individuali.

Un ruolo importante nella storia dell'autoritratto lo giocano gli specchi, di varia foggia e dimensione. Per esempio nel "Ritratto Arnolfini di Ian can Eyck del 1434, che possiamo ammirare alla National Gallery di Londra,

c'è uno specchio circolare e convesso sulla parete di fondo e Hall sostiene che una delle tre figure riflesse in questo specchio sarebbe proprio l'artista fiammingo.

Durante il Rinascimento il genere dell'autoritratto conosce una fioritura notevole, con il rilievo crescente dato alla individualità dell'artista, che oscilla tra autocelebrazione e autoironia.

Così per esempio Giorgione assume il ruolo di Davide che sconfigge Golia; Raffaello preferisce la posa di un gentiluomo languido e raffinato;

mentre nel Giudizio Universale della Cappella Sistina Michelangelo raffigura se stesso nelle sembianze di una pelle umana scorticata che pende da una mano di San Bartolomeo.

Secondo Hall, lo scuoiamento o la perdita della pelle simboleggia un atto di purificazione, e quindi un'imitazione della passione di Cristo.

Nel Seicento, in piena età barocca, Artemisia Gentileschi si atteggia addirittura a dea della pittura, che separa la luce dall'ombra con il gesto del braccio;

al contrario il suo contemporaneo Rembrandt usa l'autoritratto per prendersi in giro mettendo a nudo aspetti buffi o grotteschi della propria fisionomia.

Per venire a tempi più recenti, Hall si sofferma ad analizzare lo sguardo allucinato di Courbet ne "L'uomo disperato", 1843-45;

l'espressività furiosa di van Gogh nei suoi autoritratti seriali, incluso quello famosissimo con l'orecchio mozzato.

E poi il narcisismo nevrotico, venato di tendenze autoerotiche o autolesionistiche di molti artisti del Novecento, da Egon Schiele a Frida Kahlo,

per concludere con i doppi autoritratti porno di Jeff Koons con Cicciolina e quelli gay di Gilbert e George.

Ma è venuto il momento di cedere la parola a un esperto, lo storico dell'arte Claudio Strinati, che ci parlerà di due autoritratti famosi e per molti versi antitetici nei loro significati e nelle valenze espressive.

L'autoritratto di Albrecht Dürer in veste di Cristo è molto significativo, in generale, nella storia dell'autoritratto dei pittori.

L'autoritratto è l'equivalente dell'autobiografia in campo letterario: l'artista parla di se stesso. Logicamente una immagine non è un racconto vero e proprio, per cui c'è una differenza abissale tra l'autobiografia come opera letteraria, e l'autoritratto, un'opera figurativa.

Però, un senso analogo c'è: l'artista che parla di sé, in generale parla in un modo molto particolare.

Se noi pensiamo che nella nostra letteratura italiana, il pilastro di questa letteratura è un colossale autoritratto, potremmo dire, autobiografia esattamente, e cioè la "Divina Commedia" d Dante Alighieri,

che in effetti è un'autobiografia, immaginaria, sì, ma insomma fino a un certo punto, trasfigurata, forse più esattamente. E noi comprendiamo bene qual è il peso dell'autobiografismo nell'arte italiana in generale.

Abbiamo scelto Dürer, cioè un artista tedesco, che però è coinvolto con l'Italia in un modo profondissimo: Dürer è forse il maestro di tutto il mondo germanico, nella fase rinascimentale, umanistico-rinascimentale, tra il 1400 e il 1500.

A un certo punto nella sua parabola, giovane ancora, Dürer, quando è pienamente immerso nella dinamica della cultura germanica rappresenta se stesso con una precisione impressionante!

Dürer è celebre per questo, è un indagatore minuzioso e nel contempo di mente vastissima, di se stesso e del mondo intorno a lui.

E si rappresenta, si rappresenta nelle vesti di Gesù Cristo, cioè secondo l'iconografia del Cristo. Un atto di superbia sconfinato, sconsiderato, ma significativo.

In realtà Dürer ha nella mente un principio che non è poi così... così presuntuoso: e cioè che l'artista è un creatore.

Oggi per noi è ovvio, è un fatto ovvio, noi usiamo il termine "creazione" per indicare un'opera d'arte. Però, se ci pensiamo bene, usare questo termine, che si è cominciato a usare a quei tempi, al tempo di Dürer,

usare questo termine per indicare la creazione di un'opera d'arte... eh, beh, è molto significativo: vuol dire cioè elevare l'attività dell'artista a livello, alla dimensione, non dico metafisica, ma certamente superiore.

Cioè, l'opera d'arte è uno dei prodotti più alti dell'ingegno umano perché si può paragonare alla creazione: questo principio, enunciato nel tempo dell'Umanesimo, quando c'è un grande dibattito sul rapporto tra la vita, la vita reale, e la dimensione metafisica

Quindi l'affermazione di Dürer, che l'artista è un creatore a tutti gli effetti e può paragonarsi a una sorta di redentore dell'umanità, redentore nell'ottica estetica, cioè portatore di un messaggio di rigenerazione e di benessere per l'essere umano,

è veramente molto significativo ed è interessante, a distanza di un po' più di 100 anni, paragonare l'autoritratto di Dürer a quello del Caravaggio, che vive in un epoca di lacerazioni fortissime, di traumi, di contrasti,

che naturalmente c'erano anche al tempo di Dürer, ma che a quel punto l'artista mette in evidenza in modo assolutamente esplicito e potente.

C'è un autoritratto del Caravaggio, nel quadro del "Davide con la testa di Golia", la testa tagliata di Golia nella Galleria Borghese di Roma, dove la testa tagliata di Golia è la testa del Caravaggio,

il quale rappresenta se stesso appunto nell'immagine del personaggio biblico, dolente ovviamente, perché assassinato, tragico oltre ogni misura, quasi a voler significare che il destino dell'artista può essere comparato a quello di un personaggio mitico, come Golia,

ma con un riferimento alla vita reale invece fortissimo, a un tempo in cui la pena di morte, le uccisioni, i massacri sulle persone si erano sviluppati ahimè in modo tragico e cruento.

E l'autoritratto dell'artista diventa l'autobiografia da un lato, ma anche la biografia di un'epoca intera, l'immagine di una rottura degli equilibri che in effetti poi gli storici riscontrano chiaramente nell'epoca che poi è stata chiamata l'età del barocco insomma e che è un po' il preludio del nostro tempo recente e anche recentissimo.

L'autoritratto del Caravaggio - l'artista tragico per antonomasia - è un emblema all'inizio nel Seicento; è databile verso la fine della sua vita, Caravaggio è morto nel 1610 - è un emblema vero di un'epoca intera, ed è testimonianza di uno degli artisti forse più affascinanti per l'immaginario dell'Occidente, ancora oggi!